You wanted the best, you got the best

Se apagan las luces. Empiezan los gritos, mezcla de agudos y voces roncas. El público, familias y metaleros en su mayoría, empieza a sentir como tiemblan las piernas. En la pantalla gigante vemos el ingreso de la banda y parece que es el punto máximo de ebullición. Pero eso recién llega con la ya mítica presentación: ‘¡All right, Buenos Aires! You wanted the best, you got the best. The hottest band in the world… ¡KISS!’. Pegado a ese hermoso grito de guerra empieza a sonar Detroit Rock City con sus explosiones introductorias y listo, estas viendo a la banda más caliente del mundo en vivo.

Luego de la euforia indescriptible de Detroit Rock City pasamos a Creatures of the Night, un clásico de los ochenta que baja un poco la exaltación pero mantiene un clima hermoso para lo que viene. Y lo que viene es Psycho Circus, un tema que parece hecho a medida para el agite argentino. Y welcome to the show hermano. Quien pudiera llegar a los 70 años como estos viejitos piolas. Algunos se acomodan a apreciar el show, otros te poguean hasta los solos de Tommy Thayer que no es Ace Frehley pero está muy, muy bien. Terminado este tema me convencí de que con ese arranque habían garpado cualquier plata que hayas pagado por estar ahí.

‘Olé, olé, olé. Olé, olé, olé, olá. Cada día te quiero más. Yo soy kissero, es un sentimiento, no puedo parar’. Y Paul no entiende nada pero responde con su clásico ‘You know, no hablo en español muy bien pero comprendo sus sentimientos y mi corazón es suyo’ con un acento que da entre risa y ternura. Luego de un jueguito clásico de los megarecitales con la gente pasamos a I Love It Loud, quizás los únicos momentos de respiro y un poco de calma en todo el recital, y War Machine que termina con Gene escupiendo fuego por la boca.

Paul avisa que recién estamos empezando y anuncia que van a tocar un tema de Destroyer, ese hermoso disco de fines de los 70. Y arranca Do You Love Me. Algunos arrancan a poguear hasta que entienden que es un tema para cantar paradito en el lugar, sonriendo y disfrutando. Ya habrá tiempo para saltar. Toma la posta Gene y nos vamos al primer disco de la banda para que suene Deuce. Y es bueno para que Paul tenga un descanso para esa voz tan vapuleada. En los recientes conciertos de Chile, Colombia y Ecuador se puede ver como a mitad del recital se le quiebra la voz y termina cantando lo que puede. Por suerte acá no paso eso, al menos no de esa manera.

A continuación Hell or Hallelujah, que es un lindo tema del último disco de estudio de la banda pero no mucho más, no hubo mucha respuesta por parte de la gente. Luego de un espacio para los solos de guitarra con pirotecnia de Tommy pasamos a Parasite con ese riff y sonido más pesado del KISS de los 70. Y como dije, iba a haber tiempo para saltar: Lick It Up. Las llamaradas que se prendían en el escenario se sentían en la cara mientras tratabas de mantenerte en pie.

Llega entonces el momento del demonio. La gente corea ‘Simmons, Simmons’ y el bueno de Gene se llena la boca de sangre, hace un acting entre un montón de humo y un arnés lo lleva a una plataforma cinco metros arriba del escenario. God of Thunder señores, el tipo es el demonio en serio. La gente inclina la cabeza para ver con respeto y admiración a uno de los tipos que mejor ha construido un personaje en la historia del rock.

Después de ese momento casi terrorífico pasamos al glamrock kissero de fines de los 80. Suena Hide Your Heart y el público se prende con el coro simpatico, porque KISS también es eso. Y está buenísimo que así sea. Ya va más de una hora de recital y es momento de un clásico de los recitales de la banda. Paul, arnés mediante, vuela hacia un escenario montado en el medio del público y arranca la batería de Love Gun que parece que anuncia el fin del mundo. La gente le da la espalda el escenario principal y observa a su ídolo, más cerca que nunca. Y hay tiempo para una ‘balada’, más con esas gotas que empiezan a caer. Después de una larga introducción de guitarra Paul entona la primera frase de Black Diamond en conjunto con casi la totalidad del público que empieza a comprender que se acerca el final.

Luego de una retirada del escenario que no se creyó nadie la banda vuelve para tirar toda la carne al asador. A Shout It Out Loud le pegan I Was Made For Loving You. Y la cancha se viene abajo. Nunca vi tanta algarabía junta. Bah si, justo inmediatamente después. Suena Rock And Roll All Nite y parece que no importa más nada en el mundo. Quedé en posición horizontal en el aire varias veces mientras volaban papelitos por doquier. Hermosa sensación. Muchas caras de alegría y agradecimiento por estar ahí se veían cuando prendieron las luces. La banda ya se había ido pero sonaba por los parlantes God Gave Rock And Roll To You mientras un hermoso show de juegos artificiales se veía en el cielo de Liniers.

A la salida del recital me agarró (a mí y a toda la gente que se acercó a la cancha de Velez) una tormenta que parecía el diluvio universal. Entre risas y cánticos la gente corría por la Avenida Juan B. Justo. Pasé tres horas bajo la lluvia esperando un colectivo con un montón de fanáticos de esos superheroes del rock and roll. Y todo fue hermoso.

Parece que no pasa nada

“No somos gente mala. Pero hicimos algo malo”. Una de las frases más resonantes del primer capítulo de Bloodline, escrita, parece algo carente de complejidad o sutileza. Pero inserta en un momento clave de ese piloto y dicha por una voz omnisciente de John Rayburn (Kyle Chandler), uno de los protagonistas, toma gran significancia.

Bloodline es una de las series originales de Netflix que se estrenaron en 2015. Tiene la particularidad de ser producto de un acuerdo entre Netflix y Sony Pictures Television. Es la primera serie creada por un estudio tan grande como el de Sony en asociación con un servicio de streaming. La tercera en discordia en ese acuerdo es KZK Productions, la productora de los showrunners: los hermanos Todd y Glenn Kessler y Daniel Zelman.

La historia comienza con una reunión familiar en un pueblo situado en una isla de Florida Keys. Vemos como Robert y Sally Rayburn esperan la llegada de sus hijos para una fiesta que durará todo el fin de semana. Todo parece ir bien hasta que Danny, uno de los hijos, no llega a la terminal en donde lo espera John, uno de sus hermanos y sheriff del pueblo. Desde ese momento empezamos a ver los conflictos intrafamiliares que guiarán el rumbo de la serie. Si algo hacen bien los yankees es retratar los climas de los pueblos alejados de las metrópolis y las relaciones personales de la gente que habita esos lugares.

La serie cuenta con un cast espectacular, se nota que hay plata apostada a este proyecto. Y parece que les salió bien, la serie recibió críticas muy buenas y es de lo más valorado del año por los medios. Ya fue renovada para una segunda temporada a estrenarse el año que viene. Los capítulos fueron estrenados todos de manera simultánea como casi todas las series de Netflix (el caso Better Call Saul nos obliga al ‘casi’).

Leí a algunas personas decir que les gusta la serie porque es de esas en las que ‘parece que no pasa nada pero pasa de todo’. Para ejemplificar esa característica mencionan shows como Six Feet Under o Mad Men. No estoy totalmente de acuerdo pero por una cuestión semántica. Creo que sí pasa algo y creo que si te parece que no pasa nada es porque estás viendo sólo la sucesión de hechos que presenta la serie. Hay algo más ahí, no presente en los diálogos.

Las actuaciones, fantásticas, nos van desarrollando a cada personaje escena a escena pero con una sutileza que es lo que seduce de la serie. En los primeros veinte minutos podemos ir viendo todas las tensiones entre los personajes de lo que pareciera ser una familia sin muchos problemas. Y esto es posible gracias al subtexto detrás de los diálogos. La serie no subestima en ningún momento al espectador y lo obliga a completar la información que brindan las escenas.

Bloodline se presenta como una serie que hace un culto del subtexto, una herramienta ausente en muchas de las series que se estrenan y son furor por estos días. Es algo que, por ejemplo, se logra maravillosamente en Louie, especialmente en el primer episodio de la quinta temporada estrenado la semana pasada. En otro post podemos hablar de eso.

No entres ahí: Parte 2

Siguiendo con la temática del post anterior nos vamos a un terreno muy fértil en lo que respecta a provocar: la política. Tengo a mi favorito en esta categoría y es sin dudas el insoportable Jorge Asis.

Es un clásico de los programas de archivo ese cruce que tuvo con Gerardo Romano en el programa de Mariano Grondona. Apenas iniciado el ‘debate’ le tira por abajo el primer golpe: ‘¿Vas a leer como Susana Gimenez?’. Arrancar atacando parece clave. Avanza Romano con la lectura de un texto preparado y va de nuevo Asis: ‘Calmate, calmate por favor que estas un poco nervioso’. La condescendencia con la que lo dice te incomoda al ver el vídeo más de 20 años después.

A lo largo de la charla rotula a Romano con un montón de adjetivos para pincharlo cada vez más. ‘Reventado culposo’, ‘maldito de entrecasa’ y el espectacular ‘transgresor módico’ son algunas de las caricias del ex funcionario menemista al actor. En un momento llega a dar su golpe maestro: ‘Por favor Romano, no estás en el teatro’. Listo, logra lo que buscaba, el actor levanta la voz y queda en offside frente a las cámaras.

Otro que se subió al ring con Asís fue Jorge Lanata allá por 1993, también en el programa de Mariano Grondona. En ese momento Asís era embajador argentino ante la Unesco y Lanata estaba en su último año como director de Página/12. Ante un primer ataque de Lanata hablando de corrupción del gobierno Asís lleva la pelea para otro lado y habla de la ‘proverbial elegancia’ de Lanata en clara referencia a la campera que el periodista llevaba puesta. Lejos de entrar en el juego el director del diario responde con una pequeña risa y dice ‘Me iba a poner corbata pero no soy embajador’. Hay pelea acá, hay paridad entre los boxeadores.

Sigue el programa y Lanata empieza a leer declaraciones bastante polémicas de Asís a distintos medios. El embajador se ve en problemas e interrumpe: ‘Yo creo que sos un gran comprador de pescado podrido, salmón noruego del siglo XVIII’. Lanata responde diciendo que no, la gente que mira el programa no come salmón noruego. Y ataca citando una frase en la que Asís comparaba al entonces ministro de economía Domingo Cavallo, también presente en el programa detrás de cámaras, con Domingo Faustino Sarmiento. Asís lleva el asunto al terreno del humor y reafirma diciendo que Cavallo tiene el mismo recorte de cara que Sarmiento. Risas. Se dispersa la polémica.

Pero a Asís no le gusta defenderse y cierra atacando con vehemencia. ‘Te has quedado siempre en la frase barata, con razón Verbitsky te supera’. Risa incomoda del periodista. ‘Está muy bien la camperita y alguna frasecita pero decime algo más convincente, más sólido’. Deslegitima todo lo que ha dicho el periodista que no son otra cosa que frases suyas. Con gestos y elocuencia más que con argumentos termina ganando la pelea.

Lanata fue un rival mucho más digno que Romano pero ambos terminan perdiendo con un tipo que maneja la provocación en el dialogo como un arma clave para ganar discusiones o, al menos, aparentar victorias. Hay miles de estos casos para rememorar, se me viene a la cabeza en este momento el famoso duelo de entrevistas Frost/Nixon que quizás sea interesante para comentar en otro post. En otro post.

No entres ahí: Parte 1

El documental de ESPN Winning Time: Reggie Miller vs The New York Knicks narra los duelos entre Indiana Pacers y The New York Knicks en 1994 y 1995. Más de la mitad del documental está centrado en esos duelos entre los equipos de Indiana y New York y la rivalidad que se había creado entre ellos. Pero en realidad la historia comienza con el desembarco de Reggie Miller en los Pacers allá por 1987 y se lo toma como la figura a partir de la cual se cuenta todo. Más allá de ser un grandísimo jugador de basket, Miller fue un personaje con una historia y personalidad bastante interesantes.

Nacido en Riverside, California, es hermano de Cheryl Miller, una ex-jugadora de basket y campeona olímpica con la que siempre practicó en su infancia. Luego de un exitoso paso por el basket universitario en la Universidad de California Los Angeles llegó a los Indiana Pacers y ahí se quedó hasta su retiro en 2005. Aparte de ser un jugador espectacular y el segundo mejor lanzador de triples de la historia de la NBA el bueno de Reggie tenía un arma más: la provocación. En el documental podemos ver como en un partido en los playoffs de 1993 logra sacar tanto de quicio a John Starks que este termina metiéndole un cabezazo. Expulsado el de los Knicks, negocio para los Pacers.

Miller tuvo otras historias muy lindas aparte de esa con Starks. Pero ver esto en el documental me hizo pensar un poco en provocaciones en el fútbol y en otro tipo de competencias porque no. Incomodar al otro es una estrategia fantástica para sacarle ventaja. Que sea noble o no bueno, lo dejo para que lo discutan ustedes. Creo que es un área totalmente válida pero que quizás debería tener marcados unos límites. Y ahí ya se arruina mi argumento porque al límite que establezco yo lo corres un poquito vos o viceversa.

Para mis contemporáneos si les hablo de fútbol y provocación seguramente todos pensaremos en Guillermo Barros Schelotto. Es conocida esa historia entre Guillermo y Francescoli en un partido entre Gimnasia y River en la que Schelotto le tira un caño al de River y lo invita a comprarse una sotana. Ante esto el uruguayo, ya consagrado, le dice ‘Callate pendejo que yo tengo 2 palos en el banco’. Lejos de quedarse callado Guillermo le responde: ‘Si pero con eso no te alcanza para cambiarte la cara de sapo que tenes’.

Hablé de límites más arriba porque hay algunas provocaciones que pueden resultar muy picarescas pero hay otras que no creo que resulten tan simpáticas a todos. EL Doctor Carlos Salvador Bilardo como jugador fue un provocador hecho y derecho pero de los que trabajaban en la semana. Conseguía datos de sus rivales para poder incomodarlos durante el partido. Así, por ejemplo, les preguntaba a sus adversarios donde estaba su pareja en ese momento llamando a ésta última por su nombre.

El asunto se torna un poco más escabroso cuando hablamos de aquella supuesta historia entre Bilardo y Bernao, un puntero derecho de Independiente. Al jugador del rojo le había ocurrido una desgracia un tiempo atrás. Salió a cazar con un amigo y accidentalmente se le disparó el arma y lo mató. Bilardo y el plantel de Estudiantes se enteró de esto. ‘Asesino, mataste a tu amigo y seguís jugando al fútbol’ fue el latiguillo que utilizaron para volver loco a Bernao. ¿Límites? Otro día.

La temática es interesante y tiene anécdotas muy entretenidas. No me interesa, por el momento, decir si son actitudes moralmente aceptables o si deberían ser sancionadas a posterior por alguna autoridad. Por ahora vamos a recordarlas simplemente y esbozar una sonrisa con las que consideren éticamente aceptables.

¿Descubriendo? a Vivian Maier

El documental Finding Vivian Maier narra cómo John Maloof, un joven curioso, descubrió la obra de la mujer que da el nombre al documental. Descubrió su obra pero también algo más que, quizás, fue lo que más motivó a este joven a seguir investigando.

Buscando material para realizar un libro Maloof acudió a una subasta en Chicago donde compró una caja que contenía un archivo de fotografías y otros objetos. En el interior encontró el nombre de Vivian Maier lo cual despertó su curiosidad. Pero Google no le dio más información que un obituario: la persona que buscaba había muerto en abril de 2009. Ante esto, cesó su interés hasta que en octubre de ese mismo año subió algunas fotos de Maier a internet con una respuesta masiva de la gente. Luego de esto, se sucedieron una serie de exposiciones en distintas galerías y museos. El reconocimiento público le llegó a Vivian de manera póstuma.

El documental es bastante menos interesante que la historia de Vivian Maier, una neoyorkina bohemia que mantuvo su vida privada durante mucho tiempo hasta que este joven empezó a deconstruirla a partir de sus objetos y obra. Esa idea fue la que más me interesó. Las pocas personas que en el documental dicen haber tenido contacto con Maier dice más o menos lo mismo: era una persona extraña y reservada. Las descripciones más atractivas de esta mujer las encontramos a partir de la apreciación que se hace en el documental de su obra. Y de los elementos que ella conservaba.

Todo esto me hizo pensar un poco en un fenómeno de estos tiempos que es esta cosa de definirnos a través de nuestros gustos y lo que poseemos. Soy la remera que tengo, soy el vídeo de YouTube que comparto, soy los libros que leo. ¿Hasta qué punto estas cosas reflejan a una persona? ¿Lo hacen realmente? Las ideas que se hacen de Vivian en el documental es la única posibilidad que vamos a tener de conocerla. Pero no si eso realmente es conocer a alguien.

Los invito a que vean el documental, pierde ritmo sobre el final pero para conocer la historia está muy bien. Lo que sí no pueden dejar de ver es la inmensa obra de Vivian Maier que en 83 años de vida no tuvo ni una pizca del reconocimiento que hoy tiene alrededor del mundo.

Érase una vez una banda hermosa

Había algo en el aire o en el agua durante la década del 60 en el Reino Unido. Sino no se explica la cantidad de bandas que nacieron en esos años en los albores del reinado de Isabel II. Solo por citar algunos nombres: The Beatles, The Rolling Stones, The Who y The Kinks. Además de estos grandes tanques musicales quienes tuvieron su merecido reconocimiento hubo una banda que comenzó durante esos años sin tanta suerte: The Small Faces.

Cuando Steve Marriott y Ronnie Lane se conocieron en 1965 formaron este grupo que, hasta su disolución en 1969, se consolidaron como uno de los representantes musicales más importante del movimiento mod. La música psicodélica también tuvo una de sus horas más felices con The Small Faces, canciones cómo Tin Soldier, Happy Days Toytown y Happiness Stan pueden dar fe de esto. La razón de la separación de la banda fue la decisión de Steve Marriott de abandonar el grupo para encarar un nuevo proyecto: Humble Pie.

Ya sin su guitarrista y voz principal los integrantes que quedaron en la banda (Ronnie Lane, Ian McLagan y Kenney Jones) tuvieron que buscar reemplazantes. A finales de 1969 se suman al grupo Rod Stewart y Ronnie Wood, provenientes de The Jeff Beck Group. En ese momento Rod Stewart y Ronnie Wood todavía no eran las figuras que hoy conocemos. El nombre de la banda pasa a ser The Faces.

Con un sonido, estética y ritmos más similares a The Rolling Stones la banda tampoco pudo obtener un gran reconocimiento en comparación con las otras grandes bandas inglesas. Pese a esto, dejaron una linda lista de hits y una influencia muy grande en muchos grupos posteriores. En los últimos meses hubo algunos conflictos entre los integrantes porque muchas veces la figura de Rod Stewart terminaba primando por sobre la banda. Cada tanto eran presentados como Rod Stewart and The Faces.

La historia de la banda tampoco duró mucho, fueron seis años desde el 69 hasta el 75 que alcanzaron para dejarnos cuatro hermosos álbumes de estudio y bastante material en vídeo para ver en internet. Fue durante esos seis años que Rod Stewart pudo demostrar todo su talento e histrionismo arriba del escenario y catapultar su posterior carrera solista. También permitió que The Rolling Stones se fijaran en Ron Wood para reemplazar a Mick Taylor en 1975. Por su parte el baterista Kenney Jones en 1978 se incorporó a The Who para encomendarse a la imposible tarea de reemplazar a Keith Moon.

Ronnie Lane, mi integrante favorito de la banda, luego de la separación de la banda realizó un álbum junto a Pete Townshend, líder de The Who. Durante la grabación de ese disco fue diagnosticado con esclerosis múltiple, una terrible enfermedad degenerativa que aún hoy sigue sin cura alguna. En 1983, con un Ronnie claramente ya afectado por la enfermedad, sus amigos realizaron un concierto caritativo para apoyar la investigación en torno a la esclerosis múltiple. Participaron figuras tales como Eric Clapton, Jimmy Page, Jeff Beck, Ronnie Wood y otros. Ronnie Lane falleció en junio de 1997 luego de pelear por casi 20 años contra la enfermedad.

The Faces no es mi banda favorita, eso lo doy por seguro. Pero estoy convencido de que es la banda que siempre hubiese querido integrar. Los recitales que hoy podemos ver en internet dan cuenta de la alegría y la diversión que les generaba tocar juntos. Hay algunos demos también dando vueltas que transmiten el modo en el que vivían la música. Les dejo algo para los que no conocen, escuchen a los Faces.

The Faces – BBC Crown Jewels ’71: Este es un fantástico recital de 45 minutos grabado para el programa Crown Jewels de la BBC el 26 de octubre de 1971. Puntos fuertes: Love In Vain, Stay With Me y particularmente la versión que hacen de Maybe I’m Amazed que me vuelve loco.

The Faces – Live at The Marquee Club in 1970: Los Faces en diciembre de 1970 tocaron en el Marquee Club de Londres y fue grabado para la televisión alemana. Es de los vídeos con mejor calidad que andan dando vueltas por la web.

The Faces – Live At Edmonton Sundown: Si quieren entender porque Rod Stewart a veces terminaba opacando a la banda vean este vídeo. Los Faces en el apogeo de su carrera, hacen una versión de Jealous Guy de Lennon maravillosa.

La verdad narrada

“Frecuentemente, nuestra única verdad es la verdad narrada, las historias que le contamos a los otros y a nosotros mismos, las historias que continuamente recategorizamos y refinamos.”

Esta de una de las frases que introducen al documental The 50 Year Argument, puesto al aire por HBO el 29 de septiembre de 2014. Realizado por el grandísimo Martin Scorsese, trata sobre la historia y la influencia del magazine cultural The New York Review of Books. Esta revista bimensual tuvo como premisa desde sus comienzos la idea de que la crítica literaria es en sí misma una actividad literaria de valor.

Fue fundada en 1963 durante la huelga de diarios en New York que mantuvo sin publicación por varios meses a distintos medios. Jason Epstein y su esposa Barbara se dieron cuenta de que ante la ausencia de varios diarios y revistas las editoriales buscarían publicitar en alguna publicación nueva. Crearon entonces, junto a sus amigos Robert Lowell y Elizabeth Hardwick, The New York of Reviews. La primer decisión que tomaron fue invitar a Robert B. Silvers, quien fuera editor de The Paris Review y Harper’s Magazine, para que sea el editor del magazine. Desde 1963 hasta el día de hoy es que Silvers sigue siendo el editor, rol que compartió con Barbara Epstein hasta la muerte de ésta en 2006.

Por la revista han pasado figuras como Norman Mailer, Hannah Arendt, Truman Capote, Susan Sontag y mucho más. El documental de Scorsese muestra el papel que The New York Review of Books desempeñó en sucesos históricos como la lucha por los derechos civiles en los 60 y en otros más recientes como la Primavera Árabe. En 2013 se cumplieron 50 años de la creación del magazine y Bob Silvers contactó a Scorsese para realizar un film a lo que el cineasta respondió:

“He aprendido muchísimo gracias a The New York Review of Books. Me ha dado tanto que me abrazé a la idea de hacer esta película… Una película sobre la aventura del pensamiento y, como Colm Tolbin dijo, la sensualidad de las ideas.”

La policía de SoundCloud

Ya me había ocurrido varias veces que SoundCloud, una plataforma para almacenar y difundir producciones sonoras, me daba de baja algún contenido por uso de fragmentos de canciones. Hoy leyendo mi timeline en Twitter me encontré con esto que le ocurrió al periodista de Página/12 Eduardo Fabregat:

Soundcloud eliminó el #MapaGenético de Durazno Sangrando que hice en @comanche937 por 30 segundos de "Botas locas". pic.twitter.com/UXqPukXQbx

— Eduardo Fabregat (@EFabregat) March 31, 2015

Para Microfón, utilizar 30 segundos de canción en un segmento periodístico documental en radio es delito. Copados.

— Eduardo Fabregat (@EFabregat) March 31, 2015

El hecho también sirve para recordar que una canción de Charly y Nito en realidad es propiedad de Microfón.

— Eduardo Fabregat (@EFabregat) March 31, 2015

En tres años de @comanche937 hice 45 ediciones del #MapaGenético. Es la primera vez que me topo con esta ñoñez.

— Eduardo Fabregat (@EFabregat) March 31, 2015

Se puso más interesante la cuestión cuando Beatriz Busaniche, miembro de la Fundación Vía Libre, se sumó al debate aportando desde su conocimiento sobre propiedad intelectual:

@EFabregat @comanche937 hora de discutir en serio la vigencia extrema y los abusos de las leyes de propiedad intelectual.

— Beatriz Busaniche💚 (@beabusaniche) March 31, 2015

@EFabregat @comanche937 el TOU de Soundcloud es claro, https://t.co/oUNEBhn92g no se puede subir nada sin permiso, aunque en radio es legal

— Beatriz Busaniche💚 (@beabusaniche) March 31, 2015

lo que le pasó a @EFabregat en Soundcloud sirve para recordar que cosas que son legales en radio, se tornan ilegales en nuevas plataformas.

— Beatriz Busaniche💚 (@beabusaniche) March 31, 2015

El hecho sirve para recordar, una vez más, que la Ley de Propiedad Intelectual de nuestro país necesita una revisión urgente. Pero también para empezar a discutir las políticas de contenidos de las plataformas que usamos y evaluar cuánta independencia pueden llegar a tener con respecto a las legislaciones estatales.

Si Disney despertase

Cuando era un niño Disney era ese lugar al que todos queríamos ir pero solamente iban aquellos con padres de billetera más pudiente. La curiosa década del 90 permitió que no sea tan difícil para algunos llegar a Orlando y sacarse una foto con Mickey. Años después me enteré que Disney no era sólo un parque de diversiones sino que se trataba de la mayor compañía de medios de comunicación y entretenimiento del mundo.

Frédéric Martel en su libro “Cultura Mainstream” relata como nacen los fenómenos de masas y dedica varias páginas a todos los negocios que tocan a The Walt Disney Company. Para darles algunos ejemplos: la compañía es dueña del grupo mediático ESPN y de la cadena televisiva ABC, una de las cuatro más importantes del aire norteamericano. También es dueña desde 2006 de Pixar, aquel éxito de Steve Jobs. Además, en 2010 compró nada más y nada menos que a la editorial Marvel por cuatro mil millones de dólares. Esta compra incluyó a todos los personajes de la marca por lo que ahora Mickey vive en la misma casa que Spider-Man y otros tantos.

En el libro se relata el proceso mediante el cual Disney afrontó el modo en el que el mundo cambiaba allá por la década del 80. Liberación de la mujer, el fin de infinidad de tabúes sexuales, el destape gay. Goofy, Donald y compañía no estaban preparados para eso. Ante esto Disney encontró refugio en un nombre: Michael Eisner, quien fuera su director ejecutivo desde 1984 hasta 2005.

El plan de Eisner fue tan arriesgado como acertado. Su tarea era alcanzar a todo ese público que quería contenidos menos conservadores pero hacerlo sin poner en riesgo la marca Disney y toda su tradición familiar. Para esto adquiere la productora cinematográfica Miramax en 1993, responsable de éxitos como El Paciente Inglés, Pulp Fiction y Shakespeare In Love. Estas películas obtuvieron grandes resultados en cuanto a público y crítica. Disney se convertía en un actor importante del cine ‘para adultos’.

Tuvo sus fallas también el bueno de Michael. Rechazó en su momento financiar The Lord of the Rings y expulsó de Disney a Fahrenheit 9/11, dos largometrajes que, como sabemos, les fue algo bien. En 2010, ya sin Eisner a la cabeza, Disney vendió Miramax para centrar sus proyectos en Marvel y Pixar, sus juguetes nuevos.

Disney War de James B. Stewart se presenta como una exposición de los 20 años de Eisner al frente de Disney. Cuando Eisner llegó los beneficios netos de la empresa eran de 100 millones de dólares y de 4500 cuando se fue. Hoy en día la compañía piensa en el programa que presentó Marvel con películas fechadas para rato. Ah, en 2012 compró Lucasfilm por 4000 millones de dólares y a fin de año estrena el Episodio 7 de Star Wars.

El libro de Frédéric Martel es muy interesante para conocer los entretelones de cómo se construye un imperio del entretenimiento como bien lo es The Walt Disney Company. En Disney no se habla de consumidores, clientes o público. Se habla de guests (invitados). Como la conocida canción de La Bella y la Bestia: “Be Our Guest”.

Bob the Butcher

En 2003 el millonario Robert Durst logró convencer al jurado de que no había asesinado intencionalmente a su vecino Morris Black sino que fue meramente un acto de defensa propia. Lo que Durst sí admitió fue que descuartizó a su vecino y puso las partes de su cuerpo en bolsas que luego arrojó al río. Pese a esto salió absuelto del cargo de homicidio. Ah, Durst es sospechoso también en la desaparición de su esposa en 1982 y en el asesinato de su mejor amiga en el 2000.

El 8 de febrero de este año HBO estrenó The Jinx: The Life and Deaths of Robert Durst, una serie documental de 6 capítulos. El creador de la serie es Andrew Jarecki quien en 2003 realizó el documental Capturing the Friedmans que narra un caso policial de abuso sexual en los 80. Fue tal el éxito del documental que la justicia norteamericana reabrió el caso para determinar si los Friedman habían sido correctamente condenados. Podemos decir entonces que The Jinx no es la primera incursión de Jarecki en estos terrenos.

En 2010 se estrenó una pelicula de Jarecki llamada All Good Things y estuvo basada en la relación de Durst con su primera mujer quien desapareciera en 1982. A Durst le gustó tanto la película que estuvo dispuesto a concederle una entrevista a Jarecki para The Jinx. El montaje de la serie intenta humanizar todo el tiempo a Durst pero la frialdad y su gestualidad en sus respuestas van en detrimento de esto. La serie es magistral y Jarecki nuevamente logró repercutir en la justicia de los Estados Unidos. Lo único que voy a decir es que el caso se volvió a abrir y todo el mundo está hablando de Robert Durst de nuevo. HBO y Jarecki lo lograron.